Дом с проволокой на крыше в центре Барселоны (Каталония, Испания) невозможно не заметить. В этом здании по адресу Carrer d’Arago 255, сегодня находится один из многочисленных музеев города – Фонд Антони Тапиеса (La Fundació Antoni Tàpies). Фонд был основан самим художником в 1984 году с целью изучать и продвигать современное искусство. Здесь хранится более 300 оригинальных работ, а также графические работы, книги художника и плакаты всех периодов его творчества.
Помимо постоянных выставок, посвященных художнику, в музее проводятся многочисленные временные выставки, охватывающие все художественные жанры. Здесь также есть клуб друзей фонда “Еls Amics de la Fundació Antoni Tàpies”.
Штаб-квартира фонда – это модернистское здание, спроектированное архитектором Луисом Доменеком-и-Монтанером (Lluís Domènech i Montaner). Спроектированное в 1879 году, оно было построено между 1881 и 1885 годами. Фасад здания был первым в Эшампле (l’Eixample de Barcelona), когда в городском здании использовались кирпич и железо. Оно служило штаб-квартирой редакции Montaner i Simón, принадлежащей Рамону Монтанеру и Вила (Ramon Montaner i Vila), дяде архитектора, и Франческу Симону и Фонту (Francesc Simón i Font), где работали такие писатели, как Пере Кальдерс (Pere Calders), Жосеп Солер Видаль (Josep Soler Vidal), Хесус Монкада (Jesús Moncada)…
В период с 1986 по 1990 год оно было восстановлено архитекторами Розером Амадо (Roser Amadó) и Луисом Доменеком и Гирбау (Lluís Domènech i Girbau), которые сделали его штаб-квартирой Фонда.
Тапиес создал скульптуру Núvol i cadira, которая в настоящее время венчает фасад здания и стала символом самого фонда. В 1997 году штаб-квартира была объявлена историческим памятником.
В 2010 году музей вновь открылся после двухлетней реконструкции, проведённой архитектором Иньяки Абалосом (Iñaki Ábalos). По этому случаю “изюминкой” новой выставки стала скульптура “Носок” (Mitjó), расположенная на террасе Фонда. Это был проект Тапиеса, заказанный в 1992 году городским советом Барселоны для украшения Овального зала Palau Nacional de Montjuïc, где располагается MNAC. Тапиес спроектировал скульптуру в форме носка высотой 18 метров; по его словам, это был “скромный носок, внутри которого предлагалось пространство для медитации”, и с помощью которого он хотел представить “важность в космическом порядке мелких вещей”. Тем не менее, из-за народного неприятия этого проекта и противодействия Женералитата Каталонии, работа окончательно не была завершена. Однако спустя годы художник возобновил работу над проектом, который изменился в размере – с запланированных 18 метров до 2,75 метра.
Проволока наверху – это инсталляция “Облако и стул” работы Антони Тапиеса.
Юридически фонд был учрежден в ноябре 1984 года. В 1987 году было подписано соглашение, согласно которому городской совет взял на себя расходы по восстановлению и передаче помещения в фонд, чтобы художник мог там вести свою деятельность.
Первым директором Фонда был Мануэль Борха-Виллель (Manuel Borja-Villel, между 1990 и 1998 годами), за ним последовала Нурия Энгита (Núria Enguita, 1998-2008). В период с 2008 по 2010 год он был закрыт на реконструкцию и снова открыл свои двери 3 марта 2010 года.
Цена посещения музея – 8 €.
Для студентов и пенсионеров от 65 лет – 6,4 €.
Для детей до 16 лет — бесплатно.
Весь гид по Барселоне
Театры и развлекательная инфраструктура
Футбольная и спортивная инфраструктура
Дисконтная карта Barcelona city card
Транспортная система Барселоны
Административное деление Барселоны
См. здесь туристический гид по Каталонии
Биография художника
Антони Тапиес-и-Пуч (Antoni Tàpies i Puig), первый маркиз Тапиес (13 декабря 1923 – 6 февраля 2012), был каталонским художником, скульптором и теоретиком искусства, который стал одним из самых известных европейских художников своего поколения.
Сын Жозепа Тапиеса-и-Местре (Josep Tàpies i Mestre) и Марии Пуч-и-Герра (Maria Puig i Guerra), Антони родился в Барселоне 13 декабря 1923 года. Его отец был юристом и каталонским националистом, недолго служившим в республиканском правительстве. Из-за этого Тапиес вырос в среде, где он был очень подвержен культурному и социальному опыту лидеров каталонской общественной жизни и ее республиканизма.
Его бабушка по материнской линии также познакомила его с этим миром благодаря своей большой вовлеченности в гражданскую и политическую деятельность.
Впервые Тапиес познакомился с современным искусством, когда он поступил в среднюю школу в 1934 году. Он увидел знаменитый рождественский выпуск журнала D’ací i d’allà, в котором были репродукции произведений таких художников, как Дюшан (Duchamp), Брак (Braque), Кандинский (Kandinsky) и Пикассо (Picasso).
Одним из событий, которые радикально повлияли на его жизнь, было выздоровление от тифа, который он перенес в 18 лет. Это обстоятельство заставило его переосмыслить как свою жизнь, так и призвание. Он провел два года в горах, где, выздоравливая, много читал и начал интенсивно рисовать. Лихорадочные состояния, от которых он страдал, вызывали у него частые галлюцинации, которые позволили развивать творческие способности. Во время своего пребывания в санатории Пуч д’Олена (1942-1943) он читал Ибсена, Ницше, Томаса Манна и сделал копии картин Ван Гога и Пикассо.
Свою учебу в области права в Университете Барселоны, которую он начал в 1943 году, Антони совмещал со своей страстью к искусству. Наконец, в 1946 году он окончательно выбрал живопись и бросил школу. Самоучка, в том же 1946 году он основал свою первую студию живописи в Барселоне.
В 1948 году он был одним из основателей журнала и движения, известного как Дау аль Сет (Dau al Set), связанного с сюрреализмом и дадаизмом. Лидером этого движения был каталонский поэт Жоан Бросса (Joan Brossa). Журнал просуществовал до 1956 года, но Тапиес, уехав в Париж, практически перестал с ним сотрудничать, и группа как таковая распалась в 1951 году.
Первые работы Тапиеса относились к сюрреализму, но вскоре он изменил свой стиль и стал одним из главных выразителей неформальности. Представитель так называемой “материальной живописи”, Тапиес использовал для своих работ материалы, которые не считаются художественными, а, скорее, являются “отходами цивилизации”, например, мраморная пыль.
С 2 по 22 октября 1948 года Тапиес участвовал в Салоне Первого Октября в Galeries Laietanes, демонстрируя две работы 1947 года. В том же году он встретил Жоана Миро, одного из его самых уважаемых художников. В 1949 году он принял участие в выставке Un aspecte de la jove pintura catalana во Французском институте в Барселоне. Там его увидел Эуджени д’Орс (Eugeni d’Ors), который пригласил его на VII Saló dels Onze в Мадриде (1950).
В 1950 году у него была первая персональная выставка в Galeries Laietanes в Барселоне, где он снова выставился в 1952 году. Получив стипендию Французского института, он отправился в Париж и сумел выставиться на Международном конкурсе Карнеги в Питтсбурге, где он встретился с Пикассо. Также в 1950 году его выбрали представлять Испанию на Венецианской биеннале, где он участвовал несколько раз.
В 1953 году Тапиес выставлялся в Чикаго, Мадриде и Нью-Йорке.
Он также выиграл первый приз на джазовом салоне Барселоны в 1953 году и встретился с критиком Мишелем Тапье, советником Galerie Stadler в Париже, где он впервые выставился в 1956 году.
В 1954 году он женился на Терезе Барба и Фабрегас, от которой у него было трое детей: Антони, Микель и Клара.
В 1955 году художник был награжден на III испано-американской биеннале в Барселоне и выставился в Стокгольме вместе с Tharrats, представленным Сальвадором Дали.
В 1958 году у него уже был специальный зал на Венецианской биеннале, и он получил первую премию Карнеги и премию ЮНЕСКО.
В 1960 году Тапиес участвовал в выставке “Новая испанская живопись и скульптура” в Нью-Йорке. С тех пор художник выставлялся в Барселоне, Нью-Йорке, Вашингтоне, Париже, Берне, Мюнхене, Бильбао, Буэнос-Айресе, Ганновере, Каракасе, Цюрихе, Риме, Санкт-Галлене, Кельне, Касселе, Лондоне, Мадриде, Каннах и т. д. и получил награды в Токио (1960), Нью-Йорке (1964) и Ментоне (1966).
В 1967 году он познакомился с торговцем Эме Мэ (Aimé Maeght) и выставлялся в Музее современного искусства в Париже (1973), Нью-Йорке (1975) и в Фонде Мэта (1976).
В 1970-х годах его работы приобрели более высокий политический характер, встав в оппозицию режиму Франко. Он использовал слова и знаки на картинах, такие как четыре полосы каталонского флага (L’esperit català, 1971). Этот “активизм” привел к таким действиям, как закрытие монастыря капуцинов в Саррии с целью создания демократического союза студентов (1966) или марш на Монсеррат (1970), за который Тапиес был заключен в тюрьму на короткий срок.
С тех пор у него было множество персональных и антологических выставок: Токио (1976); Нью-Йорк (1977); Рим (1980); Амстердам (1980); Мадрид (1980); Венеция (1982); Милан (1985); Вена (1986); Брюссель (1986); MNCARS, Мадрид (2000); павильон Королевского пражского сада (1991); MOMA, Нью-Йорк (1992); Гуггенхайм (1995); Kirin Art Space Harajuku, Токио (1996); Центр современного искусства Луиджи Печчи, Прато (1997).
Тапиес был удостоен нескольких премий, в том числе премии Фонда Вольфа за искусство 1981 года, Золотой медали Generalitat de Catalunya и в 1990 году Премия принца Астурийского в области искусств.
В 1990 году для публики открыл свои двери Фонд Антони Тапиеса.
Как теоретик искусства, Тапиес публиковал статьи в Destino, Serra d’Or, La Vanguardia, Avui и т. д. Большинство из них собраны в книгах La Practica de l’art (1970), L’art contra aesthetics (1974), La realitat com a art (1982) и Per un art modern i progressista (1985). Автобиография “Личная память” была опубликована в 1977 году. В своих работах он атаковал как традиционное искусство, так и крайний авангард концептуального искусства.
Тапиес является автором Or i sal (1961) и иллюстраций к книгам, таким как Brossa (El pa a la barca, 1963), Fregoli (1969), Nocturn matinal (1970), Poems from the Catalan (1973), Ú no és ningú (1979). Тапиес также посвятил себя дизайну плакатов, проведя в 1984 году выставку своих основных плакатов, а также графической продукции: гравюр и литографий.
В 2002 году он сделал плакат для празднования Мерсе в Барселоне (знаменует проводы лета и наступление осени).
С переходом в 21 век Тапиес не переставал получать многочисленные признания как на национальном, так и на международном уровне, организовывая ретроспективные выставки своих работ в лучших музеях и галереях мира. В 2003 году по случаю его восьмидесятой годовщины в Fundació Antoni Tàpies была проведена ретроспектива его лучших работ, при этом публика посетила день открытых дверей. В 2004 году в MACBA в Барселоне была организована выставка, состоявшая из 150 работ, выполненных с 1940-х годов по настоящее время, с картинами, скульптурами, рисунками и различными творениями великого художника.
Его последние публичные мероприятия – это сотрудничество с Хосе Сарамаго (José Saramago) в защиту баскской пацифистской группы Elkarri в 2005 году и дарение его работы в том же году 7 ноября парламенту Каталонии.
В октябре 2007 года он уступил свою оригинальную работу кампании против закрытия трансляций TV3 в Валенсии, чтобы его репродукции можно было продать за десять евро и таким образом оплатить штраф, наложенный на ACPV Женералитатом Валенсии. В том же году он оставил сообщение в Caja de las Letras Института Сервантеса, которое откроется только в 2022 году.
9 апреля 2010 года он был назначен маркизом Тапиеса королем Хуаном Карлосом I.
Художник умер 6 февраля 2012 года в Барселоне в возрасте 88 лет.
Техника
В своих наиболее характерных работах в рамках материального неформализма Тапиес использовал техники, в которых традиционные пигменты искусства смешивались с материалами (песком, одеждой, соломой). Сам Тапиес называл свою технику “смешанной”: он писал на холсте в средних форматах в горизонтальном положении, создавая однородный слой монохромной краски, на которую он наносил “смесь” измельченного мраморного порошка, связующего вещества, пигмента и масла, нанесенного шпателем.
Когда “смесь” почти высыхала, он прикладывал к поверхности тряпку из мешковины, которую затем отрывал, создавая рельефную структуру с рваными, поцарапанными или даже перфорированными участками. Затем он работал ножом, ножницами и кистью. В конце художник добавил знаки или ставил пятна.
Работы быстро портились – “смесь” довольно недолговечна. Однако Тапиес защищал разложение, считая его потерей идеи вечности искусства, ему нравилось, что его работы отражают ощущение течения времени.
Произведения
Тапиес начинал рисовать обычной китайской тушью, посвятив себя в основном портретной живописи. Со временем он заинтересовался новаторскими техниками и начал оставлять свой след в работе. Примерно в 1947 году под влиянием Матисса он делал более плавные рисунки, после чего начал свою уже подлинно личную работу короткими мазами в стиле примитивного экспрессионизма.
С 1951 года художник начал работать в стиле геометрической абстракции, перейдя в 1953 году к неформальности материальных тенденций, которая была характерна для его работ.
Он также делал коллажи из газетной бумаги или картона, а также из переработанных материалов, показывая влияние Курта Швиттерса (Kurt Schwitters): “Коллаж крестов” (1947), “Коллаж из веревок и риса”. Его любимые цвета были: коричневый, охра, бежевый, черный, “грязный” белый… Лишь изредка он переходил на яркие цвета, такие как красный и синий.
Между 1955 и 1960 годами он пережил наиболее радикальный период: строгий стиль, нейтральные цвета земли (коричневый, бежевый, серый) и обилие знаков-посланий.
Также важным в работе Тапиеса является присутствие человеческого тела, обычно в отдельных частях, в схематических формах, часто с появлением порчи, тело кажется разорванным, атакованным, пронзенным. Таким образом, мы можем увидеть человеческий торс в виде ткани, разложившейся от ожогов, коленопреклоненную женскую фигуру, материю в форме подмышки с настоящими волосами. Картина Cos (1986) отражает фигуру и крест, напоминающие смерть.
Хотя развитие творчества Тапиеса было единообразным с самого начала с уклоном в неформальность, со временем возникали тонкие различия как в технике, так и в содержании. С 1963 по 1968 год художник находился под влиянием поп-арта, в котором выделись повседневные предметы. В период 1970-1971 гг творчество художника находилось в стадии концептуализма, он работал с обломками, жирными пятнами или грязными материалами. До конца 1970-х художник также был сосредоточен на скульптуре и гравюре.
С 1980 года он обновил технику и темы, вернувшись к неформальности. Однако в течение этого десятилетия под влиянием постмодернистского искусства – особенно немецкого неоэкспрессионизма – он включил больше образных элементов, как дань уважения традиционным стилям и художникам истории искусства.
В 1990-х художник получил ряд институциональных заказов: в 1991 году он написал Les quatre cròniques для la Sala Tarradellas Palau de la Generalitat de Catalunya, в 1992 году – расписывал павильоны Каталонии и Международного олимпийского комитета на Всемирной выставке в Севилье. В 1994 году Университет Помпеу Фабра поручил Тапиесу приспособить пространство под “светскую часовню”, другими словами, место для размышлений и медитации. Пространство было частью университетского здания Àgora Rubió i Balaguer, в котором, помимо часовни есть аудитория и выставочный зал. Тапиес задумал пространство как убежище от внешнего мира, оставив архитектурную структуру такой, какой она была, с бетонными стенами, сделав серию художественных вмешательств, чтобы дополнить атмосферу часовни: фрески с колоколом и скульптурой, а стулья, свисающие со стены, ковер из мешковины – все для создания атмосферы медитации и отдыха.
Стиль
Практически самоучка в художественной сфере, Тапиес был человеком большой культуры, любителем философии (Фридрих Вильгельм Ницше), литературы (Федор Достоевский) и музыки (Рихард Вагнер). Он был великим защитником каталонской культуры. Художник был большим поклонником писателя-мистика Рамона Лулья (о котором он написал книгу гравюр между 1973 и 1985 годами), а также каталонского архитектора Антони Гауди.
Он был также влюблен в восточное искусство и философию. Под влиянием буддизма он показал в своей работе, что боль, как физическая, так и духовная, является чем-то неотъемлемым в жизни.
Приобщение Тапиеса к искусству было связано с реалистичными рисунками, в основном, портретами семьи и друзей. Его первый контакт с авангардным искусством того времени заставил его приписать магический сюрреализм под влиянием таких художников, как Жоан Миро (Joan Miró), Пауль Клее (Paul Klee) и Макс Эрнст (Max Ernst). Его живопись была образной, с ярко выраженной магико-фантастической составляющей, а также с метафизическим характером заботы о судьбе человека.
В 1951 году он начал фазу геометрической абстракции, перейдя в 1953 году к неформальности: в Париже художник познакомился с новыми европейскими тенденциями, а также с новыми техниками живописи (капание, соскабливание и т. д.). Там же он встретился с художниками-неформалистами, такими как Жан Форе (Jean Fautrier) или Жан Дюбюффе (Jean Dubuffet).
Неоформализм – это движение, возникшее после Второй мировой войны, которое показало отпечаток, оставленный войной, в пессимистической концепции человека, находящейся под влиянием экзистенциалистской философии. В художественном отношении истоки неформальности можно проследить в абстракции Василия Кандинского или в экспериментах дадаизма с различными материалами. Неоформализм также стремится к взаимодействию со зрителем в рамках концепции “открытой работы”, сформулированной итальянским теоретиком Умберто Эко (Umberto Eco).
В рамках неоформализма Тапиес представлял так называемую “материальную живопись”, также известную как “грязное искусство”, для которой характерно техническое смешивание и использование разнородных материалов, часто отходов, смешанных с традиционными художественными материалами. Основными представителями материальной живописи были, помимо Тапиеса, французы Фотье (Fautrier) и Дюбюффе (Dubuffet) и испанский Маноло Мийарес (Manolo Millares). Материальный неоформализм был основным средством самовыражения Тапиеса с 1950-х годов.
Наиболее характерными произведениями Тапиеса являются те, в которых смесь различных материалов используется в композициях, к которым он добавлял несколько отличительных элементов с помощью знаков, которые подчеркивали коммуникативный характер работы, аналогично популярному искусству “граффити.”
Однако иконографический характер, который дополняет его достижения с помощью различных знаков, таких как кресты, луна, звездочки, буквы, числа, геометрические фигуры и т. д., имеет первостепенное значение. Для Тапиеса эти элементы имели аллегорическое значение, затрагивая такие трансцендентные темы, как жизнь и смерть, одиночество, сексуальность. Каждый элемент имел свое особое значение: что касается букв, A и T обозначали инициалы Антони и Терезы, его жены, X – загадку, неизвестность. Букву “М” он объяснял следующим образом: “У всех нас есть буква М, нарисованная на линиях ладони, которая указывает на смерть…”
Другой отличительной чертой Тапиеса была хроматическая строгость, обычно переходящая в суровые, холодные, землистые цветовые гаммы, такие как охра, коричневый, серый, бежевый или черный. “Если я рисую только серым, это отчасти из-за моей реакции на колоризм, который характеризовал искусство предыдущего поколения, живопись, в которой широко использовались основные цвета. Характерные признаки нашего общества побудили меня искать более интериоризованный цвет, который можно было бы определить как сумерки, свет мечты и наш мир. Для меня серый или коричневый цвета более внутренние, они больше связаны с философским миром”, – объяснял художник.
В своем творчестве Тапиес отразил глубокую озабоченность человеческими проблемами: болезнью, смертью, одиночеством, болью и сексом. Тапиес дал нам новое видение простейшей и повседневной реальности, превознося ее до уровня истинной духовности. Жизненная концепция Тапиеса питалась экзистенциалистской философией, которая подчеркивает состояние человека, тоску существования, о которой говорил Сартр, одиночество, болезнь, бедность, которые мы ощущаем. “Я считаю, что произведение искусства должно озадачивать зрителя, заставлять его размышлять о смысле жизни”, – говорил художник.
В 1970-х годах под влиянием поп-арта он начал использовать в своих работах более цельные предметы, например, предметы мебели.
Тапиес часто называют предшественником Арте Повера (Arte Povera) – “бедного искусства”.
