Adam Tinley – principalement connu des mélomanes comme Adamski, a le statut d’artiste légendaire depuis quelques décennies. Adam a fait ses premiers pas dans le monde de la musique au cours de son enfance, quand il a formé avec son frère le groupe punk-kinder “The Stupid Babies”. Ils ont été remarqués et soutenus probablement par l’un des présentateurs de radio les plus connus au Royaume-Uni, John Peel, et ont été diffusés sur BBC Radio 1. Durant son adolescence, Adam s’est tourné vers les sons électro-punk et a joué dans le groupe Diskord Datkord.

À la fin des années 80, comme la plupart des jeunes à l’esprit ouvert, il était charmé et hypnotisé par acid house. C’était un moment où Adam a pris son surnom le plus reconnaissable, Adamski, dédié à l’amateur d’OVNI, George Adamski. En tant que l’un des premiers artistes à avoir commencé à jouer de la musique électronique en direct, ce qu’il a fait en installant son clavier portable, l’a aidé à devenir une figure sérieuse dans une scène rave en développement rapide. Adamski est devenu un invité de choix dans les super-clubs d’Ibiza, comme le Pacha et l’Amnesia, et les grandes raves illégales de Bretagne. En 1990, il sort un titre intitulé «Killer» aux côtés du chanteur Seal, qui devient un hit multiplatinum et l’aide à acquérir une renommée internationale.

Au cours des années 90, Adamski a sorti de nombreux morceaux à succès et a noué de nombreuses collaborations passionnantes avec des artistes cultes et d’immenses stars de la pop telles que Nina Hagen et Elton John. Dans les années 2000, Adam s’est renommé et a choisi un surnom, Adam Sky. Sous ce nom, il a publié beaucoup de musique electroclash très en vogue à cette époque, avec des labels tels que Turbo Recordings, Kitsune et Exploited. Il y a quelques années, il a repris son bon vieux surnom Adamski et a commencé à travailler sur un nouveau concept musical inhabituel – Future Waltz. L’idée de Future Waltz est de donner un nouveau souffle aux formes musicales de la vieille école comme la valse. Le résultat de la prise d’une structure rythmique de valse et de sa combinaison avec différentes formes de musique moderne, allant de la house au techno en passant par le rap, la grime et le trip-hop, a été un album intitulé «Revolt», sorti en 2015.

Pour le moment, Adamski apprécie toujours les sets composés principalement de ses classiques house et techno lors de grands événements au Royaume-Uni et à Ibiza. Son tout nouvel alter ego artistique est Sonny Eriksson. Sonny Eriksson est l’ultime psychobilly du début du XIXème siècle. Sa musique est psychobilly avec des éléments de punk et de la musique électronique étrange.

Enfin, all-andorra.com a eu l’occasion de s’entretenir avec cet artiste charismatique et légendaire. Adam nous a raconté des histoires mémorables et amusantes sur son passé, a ouvert les rideaux de ses projets futurs et a parlé de ses voyages préférés et de ses points de vue sur la possibilité de venir se produire en Andorre.

L’entretien: Dmitry Tolkunov

Bonjour Adam, merci d’avoir trouvé le temps de parler avec nous. Il semble que vous travailliez sur de nombreux projets différents et intéressants. Dans quoi êtes-vous principalement impliqué maintenant?

À l’instar d’Adamski, je suis un DJ qui fait tourner des classiques de la vieille école et une bonne partie de mon travail est souvent réédité et mixé d’une manière qui serait possible dans les années 80 et 90. Et en tant que Sonny Eriksson, je sors de ma coquille en chantant et en jouant un spectaculaire style psychobilly avec ma guitare Gretsch argent et en ayant les meilleurs cheveux, chaussures et lunettes de soleil! C’est un peu schizophrène, surtout quand j’ai réservé pour deux représentations au même événement.

Sonny Eriksson est-il votre alter-ego artistique avec une base solide?

Sonny Eriksson est la star du rock’n’roll de mon enfance imaginaire. Toutes les inspirations musicales les plus excitantes de ma vie se sont fusionnées pour former un spectacle solo. C’est une musique qui voyage dans le temps avec un rockabilly des années 1950 mélangé à des sons contemporains.

Je me souviens comment je me tenais devant un miroir avec une raquette de tennis comme une guitare, imaginant que j’étais Elvis Presley. Et enfin, maintenant que j’ai grandi, je peux me tenir sur une vraie scène avec une incroyable guitare, une tenue psychobilly et un vrai rock’n’roll. Sonny Eriksson est dédié à tous les héros de ma jeunesse, comme Alan Vega, Les Crampes, Sigue Sigue Spoutnik, Les Chats égarés, Ziggy Stardust et bien d’autres.

Comment est née l’idée de ce nom de téléphone?

C’est venu par hasard et juste à temps. J’étais assis et je pensais au nom de ce projet. Soudainement, mon regard a attiré un vieux modèle de téléphone portable Sonny Erikson et je me suis rendu compte que ce nom sonne très tôt. Si vous vérifiez les disques rockabilly de cette époque, vous remarquerez que près de la moitié des artistes de cette époque s’appelaient Sonny. Sonny Erikson sonne comme un nom de rockabilly parfait. Il est intemporel, esthétique et son ambiance est très proche de moi car c’est l’essence même de ce projet.

Quoi de neuf dans le monde Sonny Eriksson?

J’ai un spectacle passionnant en tant que Sonny. C’est l’Alternative Miss World au Globe Theatre (Shakespeare’s) de Londres. Elle existe depuis 1972 et implique des personnes comme Leigh Bowery et Brian Eno, mes idoles en somme. Et Sonny Eriksson sort également un nouvel EP intitulé “The spirit of Sonny Eriksson” avec un titre mettant en vedette Nick Turner de Hawkwind et des remix de Boys Noize et Housemeister.

Cela semble être un excellent plan. En commençant par ‘Killer’, vous avez eu tant de collaborations passionnantes avec de grands artistes de différentes scènes. Quels sont les épisodes les plus mémorables?

Sortir avec Elton John était assez surréaliste car il est l’un des personnages les plus célèbres de la planète et je ne bouge pas vraiment dans les cercles de célébrités. J’étais à ce moment un rocker punk house acide aspiré dans un autre monde.

Travailler avec dub-maestro Lee “Scratch” Perry a également été une expérience mémorable. Mon ami Adrian Sherwood, célèbre producteur de dub, m’a aidé à le contacter. J’ai composé un titre avec Lee pour mon dernier album, Adamski «Revolt», consacré aux formes modernes de la valse, que j’appelle Future Waltz. Je suis arrivé chez lui, dans son home studio (il vit en Suisse, dans les Alpes). Je portais les vêtements traditionnels des Alpes – un kilt et un chapeau traditionnel. Et la première chose que Lee a regretté en me voyant était: «Tu as des vêtements laids!»

C’était une très belle salutation et un début. Les jours suivants que j’ai passés avec Lee à enregistrer de la musique ont été comme un voyage psychédélique profond. Il a fait des feux rituels de vaudou en studio, il a cuit mon micro dans ce feu, essayant de se débarrasser de l’énergie négative des autres personnes qui y ont chanté. Le microphone est devenu noir mais fonctionne toujours bien. C’était vraiment inoubliable.

Comment cette idée de Future Waltz vous est-elle venue et de quoi s’agit-il?

J’aime beaucoup voyager, physiquement et dans l’espace virtuel, pour découvrir de nouvelles choses, cela m’aide à me développer et à avancer. Une fois au Vénézuela, alors que je passais beaucoup de temps parce qu’une de mes filles y vivait, j’ai commencé à explorer la musique folklorique locale. J’ai remarqué qu’il avait la structure ¾ rythmique de la valse. Comme expérience, j’ai essayé de l’adapter au son électronique moderne et j’ai vraiment aimé le résultat. C’est comme ça que je suis entré dedans.

C’est petit à petit devenu mon nouveau désir musical et source d’inspiration. J’ai commencé à chercher des faits intéressants sur l’histoire de la valse et à étudier ce thème de plus en plus en profondeur. À un moment donné, j’ai découvert qu’il y avait beaucoup de formes de valse dans la musique des années 60 et 70, peut-être un peu dans les années 80, mais à partir des années 90, elle n’était presque pas utilisée du tout. La seule piste électronique avec un tempo de valse que j’ai découvert est “Hot on the Heels of Love”, sortie en 1979 par le groupe industriel culte Throbbing Gristle. Ce groupe a eu une influence énorme sur de nombreux musiciens électroniques mais aucun d’entre eux n’a eu le courage de commencer à utiliser des formes de valse dans leur musique. J’ai décidé qu’il était injuste que la valse soit si peu respectée dans le contexte moderne et à partir de ce moment-là, j’ai commencé à composer de la musique uniquement avec une structure rythmique.

De plus, outre le nouveau concept musical, Future Waltz repose sur une base idéologique. Le fait est que cela a beaucoup en commun avec Acid House – le genre musical dans lequel j’ai joué un rôle sérieux. Comme Acid House, la valse a vraiment brisé les frontières entre les différents groupes sociaux, des aristocrates ont commencé à danser avec de jeunes filles de banlieue sur de grandes balles de valse à Vienne au XVIIIème siècle, ce qui peut être comparé à des hooligans, des gangsters, des freaks et des jeunes dorés de manière extatique danser dans des raves illégales en Grande-Bretagne dans les années 80. Nous pouvons donc vraiment dire que ces énormes valses où Strauss a joué étaient une sorte de prototype de raves de ma jeunesse. Et les deux mouvements ont été profondément incompris par les autorités. Les papes appelaient la valse «la danse abominable du malin», et les raves étaient stigmatisés comme une sous-culture dangereuse pour les jeunes, pleine de drogue et de pervers. Il y avait même un service spécial de police en Grande-Bretagne dont le seul devoir était de fermer les raves illégales.

L’album «Revolt» que vous avez sorti il ​​y a quelques années est donc un travail essentiel dans le domaine de Future Waltz?

Oui, c’est vrai et je ne le prends pas vraiment comme un album dans son sens classique. Sur les plateformes numériques, il est présenté comme un album, mais j’ai également réalisé une édition limitée de «Revolt» sur vinyle. C’est un coffret composé de 10 disques en vinyle placés dans un coffret en bois, celui dans lequel sont vendus les célèbres gâteaux de Vienne. Outre les disques, le coffret contient des marchandises – des autocollants, des badges et un livret sur l’histoire de la valse écrite par moi. Chaque disque est une histoire musicale autonome et il s’agit toujours d’une collaboration avec un autre artiste. Et ces artistes représentent des genres musicaux absolument différents – house, électro, soul, hip-hop, trap, grime, dub. J’ai travaillé sur «Revolt» avec des personnes telles que Lee Scratch Perry, dub-inverter, Mark Stewart du groupe culte The Pop Group, fondateur du style musical punk-funk, du célèbre chanteur soul britannique, Dacid McAlmont, actrice italienne. Asia Argento et beaucoup d’autres.

Avez-vous passé du temps avec George Michael lorsqu’il a publié sa version de Killer et comment cette idée est-elle née?

George Michael a couvert ma chanson parce qu’il l’aimait bien, je suppose. Il a dit que n’importe quelle chanson cadrerait avec ma ligne de basse, ce qu’il a démontré avec sa version «Papa était une pierre roulante». C’était aussi surréaliste parce que je détestais vraiment sa musique quand j’étais à l’école et qu’il était la dernière personne avec qui je m’attendais à utiliser sa musique. Il est venu dire bonjour quand j’étais dans les coulisses d’un spectacle que j’ai fait à Londres et je me souviens juste qu’il sentait le parfum très coûteux et le cuir et qu’il avait une puissante aura autour de lui.

Il y a une nouvelle version de Killer avec une vidéo qui vient d’être publiée par Boys Noise. Comparé à tous les autres remixes et reprises, il ressemble et résonne comme une reconstruction soignée du titre original, ce qui vous ramène dans le temps et vous fait ressentir la même vibration et la même magie. Aimez-vous le résultat de ce travail et comment tout cela s’est-il mis en place?

Alex Ridha, connu sous le nom de Boys Noize, m’a contacté et m’a dit qu’il souhaitait créer une nouvelle version de Killer, il souhaitait la présenter à la prochaine génération. Je l’ai aidé avec les sons authentiques parce que j’ai toujours le synthé original que j’avais l’habitude de faire. C’était amusant quand Alex a qualifié le son principal de synthé «son de goa-transe» et que je devais lui expliquer que la foule de Goa dansait toujours sur Pink Floyd lorsque j’ai créé cette musique.

Vous avez visité de nombreux endroits de la planète pendant votre tournée. As-tu des endroits préférés pour jouer?

Pour moi, mes villes préférées dans le monde sont Tokyo et Paris. J’y suis allé plusieurs fois en tant qu’artiste et touriste. Je me sens toujours très inspirée par ces villes et je pourrais vivre avec joie dans l’une ou l’autre de ces villes.

 Avez-vous déjà eu la chance de jouer en Andorre? Si non, aimeriez-vous le faire s’il y avait une possibilité?

J’ai un peu honte de ne pas être encore allé en Andorre et je pense que j’adorerais parce que j’apprécie énormément l’atmosphère catalane. J’ai vécu à Barcelone pendant quelques années et mes filles ont dû parler catalan à l’école. De plus, je suis un visiteur régulier à Ibiza depuis 30 ans. Je suis vraiment ouvert pour jouer en Andorre et toujours ouvert à la découverte de nouveaux lieux et de nouvelles personnes.


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